Sarah Scouarnec : Issue d’une famille de céramistes, Sarah Scouarnec a travaillé en tant que Designer lumière pour différents milieux artistiques (cinéma, audiovisuel, théâtre et muséographie), ce qui lui a permis d’aiguiser son œil et d’élargir considérablement sa culture. En 2014, elle commence à créer des luminaires avec différents matériaux (papier, acier, objets détournés, argile) pour finalement jeter son dévolu sur la terre. Elle a choisi de se délester du côté fonctionnel pour se recentrer sur l’art et la sculpture, et de quitter les métiers de l’ombre pour se mettre en lumière. Depuis, elle travaille dans son atelier qui se situe aux Ateliers de la Morinerie à Saint-Pierre-des-Corps.
« Je qualifierais mon travail d’ « Art poético-surréaliste ». Qu’est-ce donc ? C’est un mélange de tout ce que j’aime et ce qui m’inspire: du surréalisme, de la mythologie, de la psychanalyse, de la science-fiction, et du symbolisme. C’est une autre réalité, inspirée de la réalité, guidée par l’imagination et l’inconscient, un art bizarre, insolite, inventif, poétique, qui questionne. Mon sujet de prédilection est la complexité de l’être humain, ses dualités, ses métamorphoses. Il est actuellement traité à travers différents angles de tire qui s’entremêlent parfois: la main, le portrait et la mythologie, le corps réversible. »
Rébecca Loulou : Rébecca Loulou, née à Oakland (Cal. USA), fait ses études d’art à Montréal (DEA en Histoire des Arts et Arts Plastiques, Université de Montréal) puis à Paris (Perfectionnements techniques anciennes à l’École Nationale Supérieure de Beaux-Arts de Paris, Doctorat à Paris 1 Sorbonne). Sa recherche plastique passe par différentes techniques, qui sont fonction de ses lieux de travail, de vie et d’exposition: fresques, collages, peinture à l’huile, installations, puis récemment performances sous forme de diners à thèmes. Mais toujours, c’est la recherche de l’invisible qui l’intéresse, l’invisible dans la vie quotidienne, décodé dans la toile ou induite dans l’expérience du spectateur, du gourmet au collectionneur. L’œuvre d’art devient le vecteur de transmission d’une énergie, d’une vibration, à la fois celle de la plasticienne et celle du cosmos, c’est une co-création qu’elle tente de rendre concrète, tangible, matérielle. Les toiles, de grands formats, proposent de percevoir la limite entre abstraction et figuration, ou comment les deux co-existent en équilibre, selon l’espace entre la surface peinte et le spectateur. Ce jeu de pas devant l’œuvre prend donc en considération l’espace « devant » la toile, l’espace du lieu d’accrochage. Les dernières expositions se déroulent en deux « moments »: d’abord la présentation des toiles, puis la proposition d’une diner-performance, alliant dégustation de mets raffinés ou surprenants et temps de réflexions sur ces assiettes-œuvres, ces décors-mangeables, ces nourritures à tous les niveaux (physiques/émotionnels/mentaux/spirituels) à travers le temps partagé et les échanges entre les humains attablés. Une fête intérieure et extérieure est prévue le temps d’une repas sur la terre…
Casimir Moreau : « Je peins principalement des paysages dénudés et inhabités, qui ne sont jamais réalisés sur le motif mais toujours en atelier. Ils prennent leur origine dans ma mémoire. Ils naissent de cet espace intérieur où se décantent nos souvenirs et d’où émergent les songes. Cela se traduit dans ma peinture par un côté brumeux, vaporeux, qui par une sorte de fusion entre les quatre éléments, fait apparaître la densité de l’air, et donne ainsi vie au vide et au silence qui y règnent. Au final, si je devais trouver une comparaison, je dirais que l’air est présent dans mon œuvre comme le souffle qui semble faire vibrer les mirages dans le désert. »